16 de enero de 2020

El cine de Renoir

Si se analizan plano a plano los filmes de Renoir -escribió Alexandre Astruc- se advertirá que toda la planificación está hecha en el sentido de la profundidad. Todas las entradas de los personajes se efectúan frente a la cámara o desde el fondo del cuadro, nunca de derecha a izquierda, como ocurre en los filmes de Carné o Christian Jake, donde la técnica queda limitada a dos dimensiones. Como sea que Jean Renoir trabaja con el espacio, sus movimientos  de cámara no componen la escena a lo largo y a lo ancho sino que la hacen girar. De aquí la abundancia de travellings que retroceden, de los encuadres móviles, de los variados desplazamientos de cámara en una misma toma.

La gran historia del cine, de Terenci Moix. Tomo II. Página 1.060

                                  La gran ilusión (1937), de Jean Renoir

15 de enero de 2020

Vengan a ver la realidad

"¡Vengan a ver la realidad en La gran ilusión!": con esta promesa enigmática se acaba el tráiler de junio de 1937. ¿La realidad? 

                El libro de Jean Renoir, Charlotte Garson






... esta se llamó inicialmente «Les évasions du capitaine Maréchal» y una vez terminada, montada y subtitulada, el propio Renoir le puso este título, que tomó del famoso libro del sociólogo inglés y Premio Nobel de la Paz, Norman Angell, publicado en 1910 y que versaba sobre la utopía de las guerras económicas.

Una versión caballeresca: La "guerra de guante blanco" o La gran ilusión.                     
                          Gloria Camarero Gómez-Arteaga

                          Universidad Carlos III de Madrid

14 de enero de 2020

La gran ilusión en Mon cinèma à moi. 11 de noviembre de 2018

Leemos en Moncinemaamoi.blog

“La Gran Ilusión, escribió François Truffaut , se basa en la idea de que el mundo está dividido horizontalmente, por afinidades, y no verticalmente, por fronteras. "

                                           


Antes de La Gran Ilusion sus películas parecían agresivas y juveniles, luego parecían desencantadas y mordaces. Finalmente, la Gran Ilusión, debe reconocerse, estaba, en 1937, atrasada si crees que un año después, en El gran dictador, Chaplin ya iba a pintar una imagen del nazismo y las guerras que no respetan las reglas del juego ... [François Truffaut (1967)]

                      SCRATCH

Carta de Jean Renoir al proyeccionista
(documento encontrado en el carrete n ° 1 de la versión que circulaba en los años 60)

Estimado señor,
esta llamada es la de un técnico a otro técnico.
Vas a proyectar mi "Gran Ilusión". A esta película le está yendo muy bien, a pesar de su gran edad: 22 años. Esto no evita que tenga desde el momento de su nacimiento ciertas características que estaban de moda en 1936. Una de ellas es que está diseñada para una pantalla de 1.33 X 1. Compuse cada imagen para llenar esta superficie y no dejar un vacío. He acumulado detalles en la parte superior o inferior del marco. Al proyectar mi película en una pantalla de dimensiones ampliadas, correría el riesgo de eliminar estos detalles que considero importantes y también cortar parte de las cabezas de los personajes, lo que me parece desagradable.
Le pido que me ayude a presentar mi trabajo en las mejores condiciones, es decir, en una pantalla de dimensiones adecuadas.
Gracias de antemano.
Saludos a usted.
Jean Renoir

11 de enero de 2020

Asamblea ordinaria de socios

Por la presente le convocamos a la Asamblea Ordinaria de Socios del Cine-Club Calle Mayor que tendrá lugar el lunes 27 de enero de 2020, a las 19:15 horas en primera convocatoria y a las 19:45 horas en segunda, en la sala 3 de los cines Avenida, entre las sesiones que se proyectarán ese día, con el siguiente orden del día: 

1. Lectura y aprobación, si procede, del acta de la asamblea anterior.
2. Presentación de la nueva junta directiva, única candidatura presentada.
· Presidente:        Roberto Martínez Carrancio
· Vicepresidente:  Ricardo Martín Bravo
· Tesorero:            Antonio Prada San Miguel
· Secretario:         Jose Luis Martín Unquera
· Vocales:
                             Javier García Escudero
                             Ascensión Palacín Vega
                             Rosario Narganes García
                             Juan Antonio Miguel Miguel
3. Información general sobre el actual funcionamiento del Cine Club.
4. Balance económico y aprobación de cuentas.
5. Ruegos y preguntas.

                              Palencia, 11 de Enero de 2020

                              La Junta Directiva

Lunes, 13 de enero de 2020. La gran ilusión



Título original: La Grande Illusion
Año: 1937
Duración: 114 min.
País: Francia
Dirección: Jean Renoir
Guion: Jean Renoir, Charles Spaak
Música: Joseph Kosma
Fotografía: Christian Matras (ByN)
Reparto: Jean Gabin, Erich von Stroheim, Pierre Fresnay, Marcel Dalio, Dita Parlo, Jean Dasté, Julien Carette, Georges Péclet, Werner Florian, Sylvain Itkine, Gaston Modot, Jacques Becker
Productora: RAC
Género: Drama | I Guerra Mundial. Drama carcelario. Realismo poético francés
Sinopsis: 
Primera Guerra Mundial (1914-1918). Una obra sobre la camaradería y las relaciones humanas que retrata el día a día de unos prisioneros franceses en un campo de concentración alemán durante la Gran Guerra. Nada más llegar al campo, dos oficiales de la aviación francesa se enteran de que sus compañeros de barracón están excavando un túnel para escapar de allí. (FILMAFFINITY)


10 de enero de 2020

Más apuntes sobre “An Elephant Sitting Still”, por Mercedes de Luis Andrés

La tragedia personal de Hu Bo recuerda al primero de los relatos recogidos en Cuentos Orientales, “Cómo se salvó Wang-Fô” , por Marguerite Yourcenar, en el que la escritora narraba la historia de un artista chino que prefería vivir la imagen de las cosas que su materialidad, hechizado por la fascinante trampa de la dualidad imagen-realidad.
En aquella ficción, el pintor Wang-Fô lograba salvarse de la muerte gracias a sus pinturas por medio del poder de la creación, al escapar en un mar de jade azul que él mismo se dibujó. Parece que hubiera seguido la estela del maestro chino, con ese mismo poder creador, Hu Bo, cuando decidió consumir su vida material en la luz del cine. Tal vez creía que habitaría para siempre en la inmensidad de su película.


Hu Bo, a sus 29 años, es un artista que apenas por dos números, podría añadirse al Club de los 27, Forever Club, (Jim Morrison, Kurt Cobain…). Uno de los directores de cine más poéticos de Asia dejaba su obra “An Elephant Sitting Still”, como recuerdo permanente de su historia, una película semi-autobiográfica que rastreaba su propio spleen en busca de todos los sentimientos malditos de su enjambre vital.
“An Elephant Sitting Still” es además una de las películas predilectas por el Cine Club Calle Mayor durante el invierno del año pasado; este pequeño apunte simplemente pretende mostrar la mirada asiática sobre Hu Bo, escrita por un joven escritor llamado Sihan Tan, para aportar un contraste a lo que se ha escrito en Occidente. Incluye algún dato biográfico sobre Hu Bo que completa la idea del creador detrás de su historia.

an elephant sitting still

Estos son extractos de su artículo publicado en la revista Guernica Mag:
Escribe Sihan Tan: “Según la crítica estadounidense de The Hollywood Reporter, su manera de dirigir( de Hu Bo) era “sensible, delicada, profunda y trascendente”, todo ello en cantidades suficientes como para compensar cualquier posible deficiencia narrativa. No me esperaba que los medios occidentales retrataran a Hu Bo como un mártir de la sociedad china. “An Elephant Sitting Still” se describió como “retrato de cuatro horas de una sociedad egoísta”, en el festival de la Berlinale, donde incluso recibió una importante mención. Hu Bo conducía una moto scooter con el espejo retrovisor roto. Cuando era adolescente, sus 
profesores le amaban o le detestaban, no dejaba a nadie indiferente con su cabello largo, aquel aire rebelde y su naturaleza bohemia. Apodado el “dios durmiente”, Hu solía llegar tarde a sus citas escolares. Ya en el Instituto se negaba a hablar el dialecto local, argumentando que el Chino era la lengua oficial de admisión en la prestigiosa Academia de Cine de Pekín. Cuando fue aceptado tenía 23 años. Rechazó cualquier oferta de realizar cine comercial a favor de mantener su “integridad artística”.

«An elephant sitting still». Foto: Dongchun Films

En una página de su diario escribió “en todos estos años, nunca me había detenido a pensar qué es el cine. Es humillación, desesperanza, una broma”.
En otra página, se declaraba un aficionado contumaz a los videojuegos, admitía dormir más de diez horas diarias y su adicción al alcohol. Cuanto más caía en esta adicción, más sentía quedar atrapado en los muros de su propia cárcel.
La muerte trágica del joven director destapó a su vez un debate en China. La prensa de Pekín cuestionaba la cultura de la crueldad, necesaria para el éxito de los directores jóvenes, una perspectiva que es animada por la quinta generación de directores que sobrevivió a la Revolución Cultural. Al hilo del debate mediático se publicó una encuesta realizada en grandes empresas audiovisuales chinas, descubriendo que menos de un tercio de los encuestados podía alimentar a sus familias, otro porcentaje muy elevado apenas podía abastecerse a si mismo, y el resto de las personas encuestadas del sector cinematográfico chino, directamente vivían rayando el umbral de la pobreza.

Berlinale 2018: crítica de «An Elephant Sitting Still», de Hu Bo

Las críticas de “An Elephant Sitting Still” provenientes de la parte continental de China son variadas, desde aquellas que se deshacen en elogios ("una película verdaderamente generosa"; "una película que se niega a omitir nada"), a los lamentos por la representación extrema de los oprimidos ("demasiado pesimista”, "se torturan constantemente con algún problema abstracto solo para que la inquietud llegue a la catarsis"), y a las criticas que apuntan la hipocresía china de celebrar el arte solo después de que sea aclamado internacionalmente. Hu Bo insistía en que “An Elephant Sitting Still” no trataba sobre la desesperanza sino sobre el amor, decía “el amor es un sacrificio en silencio”. En la Berlinale los productores chinos anunciaron que el tema central de la película en cambio era la esperanza. Después de una gran ovación en su honor, la madre de Hu Bo se levanto y se dirigió a la audiencia con estas palabras:
“Siento una mezcla extraña de felicidad y dolor estando en esta sala, angustia porque mi hijo ha muerto por un elefante, pero al mismo tiempo me alegra que el elefante esté aquí con vosotros”.

Días antes de su muerte, Hu Bo le dijo a un amigo, aparentemente en broma, que le gustaría grabar la imagen de un ahorcado en su lápida. “¡Seguramente las palabras que acompañan al verdugo serían el hombre más solitario del mundo!”. ”Realmente no hay mucho en mi vida", se lamentaba Hu Bo “además de ser una herramienta que se limita a escribir y hacer películas. La creación exige rúbricas imposibles de dolor”. Por su parte, el crítico Caoxi escribe en su artículo de opinión para Southern People Daily: 
”¿Qué tiene que ver contigo un elefante sentado? Que la intención artística de Hu Bo era cuestionar cómo consideramos la vida de los demás. Si buscamos distanciarnos del sufrimiento de los demás, tal vez no merezcamos ver la realización de sus sueños”. Apostilla Sihan Tan, “quizás la medida del sufrimiento debería ir más allá de la capacidad o incapacidad de uno para soportar, y debería centrarse, como Caoxi sugiere, en el papel que juega la empatía. En caso de sufrir, uno no debe descuidar la importancia de mostrar compasión no solo hacia los demás sino también hacia uno mismo, para permitir la posibilidad de hacer ajustes. Después de todo, está bien moverse, después de haber estado sentado tan quieto”.

Mercedes de Luis Andrés

24 de diciembre de 2019

Breve y lúdica impresión del primer trimestre en cinco puntos

Este primer trimestre de 2019 puede que haya sido de los mejores que se recuerdan. En los siguientes cinco puntos haremos un resumen informal de nuestras impresiones.

                          

5.- HAMADA – FAMILIA SUMERGIDA

En principio, estas dos películas partían como los patitos feos del trimestre. Son dos películas “pequeñas”, primeras obras conocidas de sus autores que en este trimestre competían con directores de la talla de Jia Zhangke, Nuri Bilge Ceylan, Olivier Assayas, etc. Familia sumergida, el debut en la dirección de María Alché, es una película por momentos inasible e indescifrable pero que finalmente resulta tan entrañable como fascinante. Una ópera prima de una audacia y una madurez infrecuentes. En Hamada, Domínguez Serén, con un preciso uso del montaje, demuestra que el humor puede ser un arma muy poderosa para concienciar acerca de problemáticas relacionadas con los derechos humanos. Habrá que estar muy pendientes de los siguientes trabajos de estos dos jóvenes realizadores.

                           Impresionante tráiler animado para Ruben Brandt, Collector

4.- RUBEN BRANDT, COLLECTOR - LETO

Las dos películas más creativas y refrescantes del trimestre. Dos películas llenas de originalidad que dentro de su aparente capa lúdica, contienen elementos importantes de discusión. En Leto destaca en la transgresión de lo normativo y en su deseo de libertad consiguiendo un ejercicio de estilo personal y fantástico. Ruben Brandt, collector con su multitud de referencias, está sumergida en el arte, el psicoanálisis y el cine y cada fotograma es un auténtico festín visual. Dignos de recordar son el arranque de Ruben Brant y las divertidas secuencias de animación de Leto. 

                           

3.- TOUCH ME NOT – LES GARÇONS SAUVAJES

Con toda seguridad, las dos películas más polémicas y controvertidas de todo el trimestre y también las dos más arriesgadas. Las dos obras tratan temas como el cuerpo y la sexualidad y bien sabido es que ambos temas despiertan discusiones, por lo que era previsible que algunos espectadores abandonaran la sala. Touch me not es mucho menos polémica de lo que parece y termina siendo un estudio certero sobre los traumas de la propia directora que se expone tanto dentro como fuera del plano. Les garçons sauvajes es otra cosa, un compendio de géneros y formas que funciona a la perfección, siendo, sin duda, una de las propuestas más fascinantes del trimestre y del año.

                           La portuguesa


2.- LA PORTUGUESA – RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

Las dos películas más bellas del trimestre están firmadas por dos de las realizadoras más elegantes de la actualidad. Dos obras redondas en su composición formal, manejando estilos pictóricos y literarios que les sirven para conseguir unos precisos y preciosos retratos femeninos sin ser en ningún momento discursivas ni unidireccionales. La portuguesa, adaptación de un relato corto de Robert Musil es un ejercicio plástico que, al mismo tiempo que narra, muestra su artificio en composiciones extremadamente pictóricas que producen un extrañamiento fascinante. Serán difíciles de olvidar las dos últimos secuencias de Retrato de una mujer en llamas, unos bellísimos planos fijos llenos de talento y emoción. 


                           

1.- AN ELEPHANT SITTING STILL – LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE

Dejamos para el final las dos obras maestras del trimestre, dos obras inabarcables en un primer visionado que están llamadas a permanecer en el tiempo. Largo viaje hacia la noche es una clase magistral de puesta en escena (lástima la penosa proyección que nos dejó sin el 3D) que con ecos de Wong Kar Wai termina siendo un poema melancólico sobre el amor, el recuerdo y el paso del tiempo. An Elephant Sitting Still es una película descomunal, tanto por su metraje como por lo que nos cuenta; una película dolorosa y de extraña poesía en la que el malogrado Hu Bo pone todo de si mismo. Imposible olvidar esos enormes planos secuencia siguiendo a los protagonistas que consiguen meternos de lleno en sus vidas, y ese impresionante final con el sonido del elefante que aún permanece en nuestros oídos.

21 de diciembre de 2019

Las mejores películas de la década (2010-2019)

Hemos seleccionado en esta lista únicamente películas proyectadas en nuestra sala y que, por diferentes motivos (artísticos sobre todo), hemos considerado las mejores de la década. Esta lista se ha confeccionado por puro entretenimiento y no tiene importancia ni trascendencia de ningún tipo. De la misma manera cada uno puede hacer su propia lista (ni mejor ni peor) que le puede servir, como a nosotros, para darnos cuenta de cuantas películas perduran en nuestra memoria. 


                                       

1.- THE ASSASSIN (Hou Hsiao-Hsien, 2015) 

2.- EL CABALLO DE TURÍN (Bela Tarr, 2011) 

3.- TÍO BOONMEE RECUERDA SUS VIDAS PASADAS (Apichatpong Weerasethakul, 2010) 

4.- QUÉ DIFICIL ES SER UN DIOS (Aleksey German, 2013) 

5.- ZAMA (Lucrecia Martel, 2017) 

6.- LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE (Bi Gan, 2018) 

7.- BURNING (Lee Chang Dong, 2018) 

8.- SIERANEVADA (Cristi Puiu, 2016) 

9.- EL EXTRAÑO CASO DE ANGÉLICA (Manoel de Oliveira, 2010) 

10.- UNDER THE SKIN (Jonathan Glazer, 2013) 

11.- AND ELEPHANT SITTING STILL (Hu Bo, 2019) 

12.- SUEÑO DE INVIERNO (Nuri Bilge Ceylan, 2014) 

13.- LO QUE ESCONDE SILVER LAKE (David Robert Mitchel, 2018) 

14.- CASA DE TOLERANCIA (Betrand Bonello, 2011) 

15.- THE NEON DEMON (Nicolas Winding Refn, 2016) 

16.- PERSONAL SHOPPER (Olivier Assayas, 2016) 

17.- AHORA SI, ANTES NO (Hong Sang-soo, 2015) 

18.- LAURENCE ANYWAIS (Xavier Dolan, 2012) 

19.- TABÚ (Miguel Gomes, 2012) 

20.- RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS (Céline Sciamma, 2019) 

17 de diciembre de 2019

Eloy Domínguez Serén, me gustaría compartir esta película con el mundo y discutirla tanto como sea posible

Entrevista de Frank Elbers a Eloy Domínguez Serén en MUFTAH.ORG


... En realidad, esta película fue originalmente sobre autos. Nunca tuve una trama en mi mente, pero siempre pensé que los autos eran un símbolo magnífico para explicar la identidad saharaui de alguna manera. Especialmente el Land Rover, que es un gran símbolo para ellos. Tienen canciones, tienen poemas sobre el Land Rover porque fueron utilizados en la guerra con Marruecos, como tanques caseros. Pero también fueron utilizados durante el éxodo. Muchas familias viajarían en ellas con las pocas pertenencias que tenían. Al mismo tiempo, los automóviles están relacionados con la memoria y la pertenencia. Hoy en día, por supuesto, también son un símbolo de estatus. Existe una especie de conflicto generacional entre Landrover y Mercedes, porque los jóvenes quieren Mercedes, pero saben que Landrover es el mejor automóvil. Todos quieren tener un automóvil a pesar de que realmente no los puede llevar a ninguna parte debido a su condición de refugiados; Tienen movilidad muy limitada. Para mí, esta es una gran paradoja que nos ayuda a entender el conflicto...

                              

Entrevista de Roberto Martín al director en ENTREFOCOS.ES

Es una película que rodé yo solo. Llevaba yo la cámara y el sonido, cuando ya tenia un material rodado entró una productora Sueca ya que en aquel momento vivía en Suecia. Después me han apoyado mucho en la postproducción. Aunque yo trabajara solo, los protagonistas del documental tenían un rol muy activo y me ayudaban mucho. Nos conocíamos muy bien porque éramos vecinos y estuvimos 8 meses juntos. Pero la parte logística del rodaje fue una experiencia solitaria. tampoco solitaria pero si un hombre orquesta.

Foto: KIKE TABERNER

Entrevista de Silvia Llorente a Eloy Domínguez en Valenciaplaza.com

-La juventud parece ser igual en todas partes, incluso en contextos tan difíciles como este…
-La película se pasó hace poco en Suecia. Algo de lo que me dijeron es que los jóvenes de Hamada no eran tan distintos a los del norte del país (de partes aisladas de la zona ártica, por ejemplo). Los coches tenían, incluso, la misma importancia: intentaban rellenar su tiempo libre con ellos. Curiosamente, a pesar de ser de latitudes casi opuestas en muchos sentidos, había una afinidad muy fuerte entre los jóvenes de un lugar y del otro.


-Una conclusión que comparten las personas que emigran es que, a pesar de estar lejos de nuestro hogar y las diferencias culturales que podamos encontrar con otras sociedades… no somos tan diferentes.
-Hay un plano en mi película anterior donde muestro un mapamundi de un hotel en el que estuve trabajando en Suecia. Todos los trabajadores de allí, la mayoría inmigrantes, ponían una chincheta en los sitios de los que venían. Una reflexión que hacía es que todos somos igual de distintos. Cada una de esas chinchetas es una historia, pero el tipo de dilemas, las ansias de integración, las dificultades y sueños… son semejantes.

15 de diciembre de 2019

El Cine Club Calle Mayor regresa a los clásicos en Lecrác



Un ciclo revisita obras maestras de Howard Hawks, Buñuel, Bresson y Kurosawa.
Las películas se proyectarán en el Centro Lecrác, del 17 al 20 de diciembre, a las 19:30 horas

El fin de año resulta siempre un buen momento para echar mano del retrovisor y encauzar la mirada hacia el pasado. El Cine Club Calle Mayor también lo hace aprovechando las últimas semanas de
2019 con la organización de 'Clásicos revisitados', un nuevo ciclo de películas al margen de la programación ordinaria que ofrece semanalmente a sus socios, una actividad cultural abierta a todos los espectadores palentinos y que se desarrollará del 17 al 20 de diciembre en el Centro Cultural Lecrác, en el número 26 de la Avenida de Valladolid, con la colaboración del Ayuntamiento de Palencia. Todas las proyecciones comenzarán a las 19:30 horas y la
entrada será gratuita.
'Clásicos revisitados' está integrado por cuatro películas que pueden considerarse como auténticas obras de arte en cuanto a sus valores cinematográficos estéticos, técnicos, temáticos o éticos, firmadas por cuatro directores muy diferentes y de distintas nacionalidades, pero unidos en la historia del cine por su maestría y reconocimiento
internacional: el estadounidense Howard Hawks (1896-1977), el español Luis Buñuel (1900-1983), el francés Robert Bresson (1901-1999) y el japonés Akira Kurosawa (1910-1998).

                                 Cartel Estados Unidos de 'Sólo los ángeles tienen alas'

El ciclo 'Clásicos revisitados' comienza el martes 17 de diciembre con la película estadounidense 'Sólo los ángeles tienen alas' ('Only angels have wings'), dirigida por Howard Hawks y estrenada en 1939. Protagonizada por Cary Grant y Jean Arthur, es considerada como una de las mejores películas de Hawks por la forma en que retrata la profesionalidad de los pilotos, su atmósfera y las secuencias de vuelo. La película fue considerada “cultural, histórica y estéticamente significativa” en 2017 por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.
                    
                                Resultado de imagen de ensayo de un crimen"

'Ensayo de un crimen', también conocida como 'La vida criminal de Archibaldo de la Cruz', es una producción mexicana de 1955 del director español Luis Buñuel y se proyectará el miércoles 18 de diciembre. Comedia de marcado humor negro, 'Ensayo de un crimen' se alza como una de las obras más originales en la filmografía de Buñuel, aunque en ella mantiene las constantes de su cine, sus obsesiones y sus fantasmas. Calificada por el propio director como un simple divertimento, puede considerarse uno de los mejores filmes de su etapa mexicana.


                                Resultado de imagen de Un condamné a mort s'est échappé"

El programa continúa el jueves 19 de diciembre con la proyección de 'Un condenado a muerte se ha escapado' ('Un condamné a mort s'est échappé'), del director francés Robert Bresson, estrenada en 1956, y para algunos críticos como la mejor de todas las películas sobre fugas carcelarias. Basada en la huida de un teniente francés en 1942 de la Gestapo en Lyon, reconstruye la noción misma de la libertad a través de sonidos fuera de la pantalla. Con unos diálogos breves e intensos, 'Un condenado a muerte se ha escapado' se erige como una de las obras maestras de Bresson y de su gusto por la austeridad y el rigor.

                                Resultado de imagen de Kumonosu-jô"


El ciclo 'Clásicos revisitados' concluye el viernes 20 de diciembre con 'Trono de sangre' ('Kumonosu-jô'), coescrita y dirigida por el japonés Akira Kurosawa y que llegó a las pantallas en 1957. La película es una adaptación de 'Macbeth' de William Shakespeare
trasladada al Japón feudal y prosigue la tradición del aclamado director japonés de retratar el periodo de guerras civiles. Aunque las obras más prestigiosas y conocidas de Kurosawa continúan siendo 'Los siete samurais' (1954) y 'Dersu Uzala' (1975), no son pocos los espectadores que eligen 'Trono de sangre' como una de sus favoritas dentro de la extensa filmografía de uno de lo realizadores más influyentes del cine mundial.